¿Podríamos crear un manual de instrucciones para dictar una conferencia?
¿Existe una narrativa previa a la construcción de cualquier discurso?
En este proyecto curatorial un filósofx/pensadorx es invitadx a diseñar una serie de instrucciones para impartir una conferencia. Este singular manual de uso formula una suerte de dramaturgia, distintos pasos a seguir para el abordaje de cualquier tema. Siguiendo sus normativas, artistas, pensadorxs, performers, especialistas en diversas realidades y disciplinas, son invitadxs a desarrollar una conferencia performática y concretar su plática.
Este proyecto fue ideado por el artista y curador Matías Umpierrez.
Dramaturgia
para una conferencia
I Edición
para la creación del manual:
(España-Francia)
Artistas invitadxs para las conferencias/performances: Roberto Jacoby (Artista visual, Argentina) Mariana Obersztern (Directora de Teatro, Argentina), Juan Onofri Barbato (Coreógrafo e intérprete, Argentina) , Tomás Espina (Artista visual, Argentina) y Paloma del Cerro (Música, Argentina).
Este proyecto, ideado y curado por Matías Umpierrez, fue presentado en su primera edición en el III Festival Internacional de Dramaturgia, en el 12 Festival Internacional de Buenos Aires, en co-producción con Plataforma Fluorescente y con el apoyo del Centro Cultural Recoleta , Instituto Nacional del Teatro y Mecenazgo Cultural (Argentina).
Sobre el manual
comisionado
a Paul B. Preciado:
¿Quién habla? ¿Qué dice? ¿Es preciso conocer el género del hablante para entender lo que dice? ¿Es posible escuchar a alguien de quien no sabemos su género? ¿Qué relación existe entre lo dicho y el género del que lo enuncia? ¿Quién escucha? ¿Es posible escuchar abandonando la posición de género que ocupamos?, se pregunta Paul B. Preciado a la hora de configurar las instrucciones.
Aumentando o disminuyendo intencionalmente los marcadores lingüísticos y los códigos culturales de producción de género, el manual construido por Preciado propone producir una emancipación cognitiva del espectador/a. La pregunta se vuelve entonces sobre quien mira y quien escucha: ¿por qué repetir el género que supuestamente me ha sido asignado?, ¿sería posible introducir variables de cambio?, ¿cambia el mundo si yo cambio de género?
Sobre lxs artistas invitadxs
para las conferencias / performances
de la primera edición:
Juana Onofri Barbata
o Juan Onofri Barbato
Esta conferencia performática co-creada a partir del manual del filósofo Paul B. Preciado y las inquietudes trilladas de la(el) coreógrafa(o) Juana Onofri Barbata, invita al público a preguntarse: ¿qué es el “Danzo Contemporáneo”? A través de una serie de derivas, Juana pone su cuerpo al servicio del “danzo” abriendo la pista de baile, botellas de alcohol y archivos secretos, que intentan dilucidar el misterio que la provoca.
Ficha Técnica:
Texto: Juan Onofri Barbato
y Carolina Stegmayer / Performer: Juan Onofri Barbato / Controles:
Carolina Stegmayer
Este proyecto es una producción de Plataforma Fluorescente & Festival Internacional de Dramaturgia, coproducido por el 12 Festival Internacional de Buenos Aires y cuenta con el apoyo de Centro Cultural Recoleta, Instituto Nacional de Teatro y Mecenazgo Cultural
Tomassa Espin
o Tomás Espina
Tomassa Espin aún no sabe bien de qué tratará su charla. Puede ser que hable de lo que siempre habla; de sus padres, el exilio, la escuela de Bellas Artes. O puede que no, que solo de una clase de dibujo o de modelado en arcilla, mientras cocina un banquete para sus conferenciados.
Ficha Técnica:
Textos: Tomás Espina, Natalia Di Cienzo y Roberto Espina / Conferenciantes: Natalia Di Cienzo y Tomás Espina
Este proyecto es una producción de Plataforma Fluorescente & Festival Internacional de Dramaturgia, coproducido por el 12 Festival Internacional de Buenos Aires y cuenta con el apoyo de Centro Cultural Recoleta, Instituto Nacional de Teatro y Mecenazgo Cultural.
Mario Bersztern
o Mariana Obersztern
Mariana Obersztern advierte que le piden que se entregue absolutamente a una voz desconocida. En rigor no se trata de una voz, pero ¿cómo llamar a un pensamiento foráneo, expandido en un tejido de reglas que tiene que alojar en su cuerpo? Además, ¿por qué lo haría? ¿Por qué dejaría que un compilado de instrucciones que no son suyas la comanden? Se niega. Ella no se prestaría jamás a dejarse bandear para aquí y para allá como un barquito. Por otro lado, ¿qué es bandearse? Bandearse ¿viene de bando, o de banda?
Ficha Técnica:
Dj en escena: Gastón Pérsico / Iluminación: Gonzalo Córdova / Video: Mariana Obersztern / Edición: Ian Kornfeld / Colaboración actoral: Valentina Pagliere y Guadalupe Sanz
Asistencia artística: Julia Perette / Dramaturgia y dirección: Mariana Obersztern / Cámara en pozo de obra: Nicolás Miranda / Trabajo de campo en pozo de obra: Mariana Obersztern, Julia Perette y Nicolás Miranda / Agradecimientos: Laura Santos, Abril Suarez y los muchachos de la obra en construcción.
Este proyecto es una producción de Plataforma Fluorescente & Festival Internacional de Dramaturgia, coproducido por el 12 Festival Internacional de Buenos Aires y cuenta con el apoyo de Centro Cultural Recoleta, Instituto Nacional de Teatro y Mecenazgo Cultural.
Berta Jacobs
o Roberto Jacoby
Nació en 1944. La mayoría de sus obras -entre la fiesta y la investigación social- giran en torno a la desmaterialización del arte y la invención de nuevas formas de vida. Compuso decenas de canciones para el grupo de rock Virus. A partir de 1998, llevó a cabo varios experimentos en redes sociales para artistas y no artistas, como Boladenieve.org.ar, Chacra99, Proyecto Venus, así como otros proyectos colaborativos como la revista Ramona y CIA (Canal de Interferencias Artísticas). Sobre su obra se publicó el libro El deseo nace del derrumbe (2011).
Este proyecto es una producción de Plataforma Fluorescente & Festival Internacional de Dramaturgia, coproducido por el 12 Festival Internacional de Buenos Aires y cuenta con el apoyo de Centro Cultural Recoleta, Instituto Nacional de Teatro y Mecenazgo Cultural
Dramaturgia
para una conferencia
II Edición
Pensadores invitadxs
para la creación del manual:
Eyal Weizman
(Reino Unido-Israel)
Einat Weizman
(Israel)
Sobre el manual
comisionado
a Eyal Weizman & Einat Weizman:
Artistas invitadxs para las conferencias/performances: Mallika Taneja (India), Laakkuluk Williamson Bathory (Canadá), Mamela Nyamza (Sudáfrica), Erna Omarsdottir (Islandia).
Este proyecto, ideado y curado por Matías Umpierrez, se presenta en el mes de junio-julio 2022 en la ciudad de Düsseldorf (Alemania) producido por Asphalt Festival en coproducción con la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, en colaboración con el Festival Theater der Welt 2021 y Plataforma Fluorescente, financiado por German Federal Cultural.
¿Cuánto puede decir un documento? ¿Cuáles son sus límites? ¿Puede mentir la evidencia? ¿Cómo podemos tener la capacidad de diferenciar entre realidad y ficción? Con el manual Evidencia negativa, Eyal y Einat Waizman presentan una gramática de acción que expande la definición de lo que constituye un documento hoy en día.
A partir de estas instrucciones, el escenario se convierte en el escenario de la verdad, tanto para la producción como para la verificación de pruebas, al tiempo que las cuestiona.
A través de un Teatro forense el manual propone la ausencia de pruebas como una prueba en sí misma, la ausencia como el propio testimonio. ¿Cómo podrían lxs artistas ocupar este vacío?
Sobre lxs artistas invitadxs
para las conferencias / performances
de la segunda edición:
Laakkuluk Williamson Bathory
Trabajé con mi colaborador de mucho tiempo, Jamie Griffiths, para crear nuestra versión de Dramaturgia Para una Conferencia. Nuestra creación se llama La contaminación se esconde dentro de la tierra. En mi discurso, yuxtapuse el manifiesto con la situación actual que enfrentamos aquí en Iqaluit, Nunavut, Canadá, con la contaminación de nuestra agua potable. Muchas comunidades indígenas de Canadá sufren del agua contaminada. Iqaluit es la comunidad más grande de Nunavut y sufre el deterioro de su infraestructura, todo esto surge a partir de implicancias históricas, racistas y coloniales. Jamie y yo creamos una cúpula 3D como “pantalla” en la que se proyectan nuestros documentos
Ficha Técnica:
Escritura e intérprete: Laakkuluk Williamson Bathory / Videoartista: Jamie Griffiths.
Este proyecto es una producción de Plataforma Fluorescente & Festival Internacional de Dramaturgia, coproducido por el 12 Festival Internacional de Buenos Aires y cuenta con el apoyo de Centro Cultural Recoleta, Instituto Nacional de Teatro y Mecenazgo Cultural.
Mamela Nyamza
La obra de Mamela se titula “GROUNDED”. El significado de este concepto: “conectado a tierra” es múltiple: tiene significados tanto negativos como positivos en nuestra vida social. Positiva y verbalmente, “conectado a tierra” puede significar estabilidad, confiabilidad, brújula moral y autoestima. Negativa y activamente, conectado a tierra puede significar castigo, confinamiento, prohibido y segregación/apartamiento. Por lo tanto, el trabajo describe la situación de Sudáfrica: donde su democracia parece estar en buenas condiciones de funcionamiento, pero en realidad tiene pequeñas grietas que no son fáciles de ver, lo que lleva a importantes consecuencias peligrosas y, a veces, fatales. La pregunta que debe plantearse sobre estas grietas: ¿son históricas (sistema de la era del apartheid) o son las grietas legendarias/populares/actuales?
Ficha Técnica:
Directora, coreógrafa e intérprete: Mamela Nyamza / Digital y videografía: Kathy Van Denberghe / Videografía: Ayanda Msiza / Artista destacado: Amkele Mandla
Este proyecto es una producción de Plataforma Fluorescente & Festival Internacional de Dramaturgia, coproducido por el 12 Festival Internacional de Buenos Aires y cuenta con el apoyo de Centro Cultural Recoleta, Instituto Nacional de Teatro y Mecenazgo Cultural.
Erna Ómarsdóttir
A lo largo de innumerables generaciones, la sociedad se ha organizado a sí misma estableciendo una parte activa, determinante, y una parte pasiva, capaz de adaptarse; un principio clave: el hombre y la mujer. Siguiendo este principio, la segunda de las dos partes es la que está sometida y moldeada por las manos masculinas en el mundo: el cuerpo femenino como una forma que se adapta a la silueta masculina. En su obra, Erna explora la concepción centenaria sobre el papel femenino. ¿Cómo se ha inscrito el abuso constante en el cuerpo de las mujeres o de las personas leídas como tales? Su performance es un intento de encontrar una forma expresiva de presentar los resultados de esta investigación.
Ficha Técnica:
Concepto, coreografía, texto, canción, filmación y dirección artística: Erna Ómarsdóttir y Valdimar Jóhannson
Este proyecto es una producción de Plataforma Fluorescente & Festival Internacional de Dramaturgia, coproducido por el 12 Festival Internacional de Buenos Aires y cuenta con el apoyo de Centro Cultural Recoleta, Instituto Nacional de Teatro y Mecenazgo Cultural.
Mallika Taneja
Muchos años han pasado desde su desaparición. Durante muchos años después, demasiadas personas ni siquiera hablaron de ella… ni con los demás ni entre sí. Las razones no se entienden por completo… lo único que se puede decir es que quizás… era todo demasiado difícil. Ella está totalmente fuera del siempre creciente archivo mundial de la web. Sólo está presente en la memoria de los que se quedaron atrás. Ellos también han olvidado. Lo que recuerdan ahora, por primera vez después de 28 años, es lo que se ha reunido aquí. Fragmentos de sus recuerdos se han distribuido a tu alrededor para que los encuentres. Son de distinta extensión y se han colocado en distintos puntos del parque. Llevan muchas personas en su interior… quien habla, quien escucha… Y luego, están las miríadas de lo que se evocará al recorrer los fragmentos.
Ficha Técnica:
Con Sudha Thapliyal, Sunanda Achar, Nandini Guha Rajagopal, Hansa Thapliyal, Geetika Thapliyal, Suhasini Taneja / Canción: Canción de cuna tradicional en kannada interpretada por Sudha Thapliyal/ Diseño visual: Yashas Chandra / Concepto y dirección: Mallika Taneja
Este proyecto es una producción de Plataforma Fluorescente & Festival Internacional de Dramaturgia, coproducido por el 12 Festival Internacional de Buenos Aires y cuenta con el apoyo de Centro Cultural Recoleta, Instituto Nacional de Teatro y Mecenazgo Cultural.
Dramaturgia
para una conferencia
III Edición
Pensador invitadx
para la creación del manual:
Pedro G. Romero
(España)
Artistas invitadxs para las conferencias/performances: Niño de Elche (artista interdisciplinar y exflamenco) Rocío Molina (coreógrafa y bailaora iconoclasta) y Mercedes Peón (compositora de autoestima cultural). Antonio Molina “El Choro”.
Este proyecto, ideado y curado por Matías Umpierrez, se estrenó en Valladolid, España, en marzo de 2023 en una coproducción de Meetyou Valladolid/Teatro Calderón de Valladolid, y en septiembre de 2023 como parte de la programación del Ciclo Flamenco, melancolías y anhelos, en Sevilla, España.
Sobre el manual
comisionado
a Pedro G. Romero:
En el manual de esta tercera edición, Pedro G. Romero se pregunta sobre qué es lo vernacular, lo popular, lo identitario, lo folklórico, lo subalterno, o si quieren, hablando en plata, qué puede ser «lo español», sea andaluz o vallisoletano, catalán o asturiano, vasco–francés o galaico–portugués, moro, judío, gitano o negro americano.
Sobre lxs artistas invitadxs
para las conferencias / performances
de la tercera edición:
Niño de Elche
Canto a lo gitano
El cante a lo gitano de hoy se compone de los cantes agitanados y anacrónicos de Manuel Torre, galgos y gallos de pelea ingleses, la España negra de Darío de Regoyos y José Gutierrez-Solana, el gitanito tóxico y esquizofrénico madrileño de David Pielfort, el paisaje de un perro ahorcado de Pedro G.Romero, el toque gitano del guitarrista alicantino Yerai Cortés, el zapateado y el golpear de nudillos de hombre en las figuras de Alonso Berruguete y Juan de Juni de Vicente Escudero, las castañuelas de Lucero Tena, un cuartito o una checa donde se cantan tientos o pop, la batería de Eric Jiménez que sangra como el cuerpo erótico de un Cristo de madera, un ojo partido, una saeta gratuita gracias a Dios, lo galaico, una asturianada, Dieguito de Morón y su anarquía atonal, fandangos del levante, el terror de la muerte y su sonar de trompetas, una gaita que chilla una pérdida, la soleá de Juan Rodríguez Cervilla,
un fandango del Gloria y de Angélica Liddell, un ex flamenco, unas campanillas que anuncian a las ánimas, palmas con cantes de Jerez, Cádiz y Navarra, la vida como un video juego, los cantaores como Marca España, un cajón peruano, una grabación de archivo, el teatro, la violencia del cante jondo, Israel Galván y sus máquinas de bailar, un metrónomo, Valladolid y Valladolor, el arañazo en la guitarra de Raül Refree, dos “puñalás” por desamor, alguna palabra en valenciano, la petenera de Ocaña, un rapero jaleando, Tomás de Perrate y su sonar oscuro, el siempre poema de Federico García Lorca, los crujidos de Marco Serrato, algunos zombies, una copa de vino, un ordenador, dos rayas de cocaína mala, el éxtasis misterioso de lo prohibido, Youtube, Xvideos, un sombrero de ala ancha, el cantiñeo de cualquier copla popular, ningún conferenciante y tres maricas.
Rocío Molina
Lo inefable
“¡Ay el bolso en el autobús! ¡Ay el autobús, que se me ha ido el bolso! Esas cabezas, esas formas de agarrarse salvaje, todas esas cosas. Nadie se mueve, ya. Ni una pestaña. Ole… olerlo. Quedaros ahí, sintiendo desde el pecho ¡Desde el tórax! Oler la música, olerla, saborearla. Tenéis que acariciar más el arte. Coge ese estiércol que va chorreando entre los dedos. Vamos a proyectar.
Todo es una balanza, todo es un equilibrio. Y ahora… ¡al corazón! ¡Papám! Todo tu cuerpo, la pierna, la rodilla, todo el cuerpo baila, vida mía. En la punta de los pies, en las entrañas, en el corazón. La paz del baile, el sosiego, la libertad. Muchísimas gracias y que el amor os acompañe siempre. Ole, quedaros ahí. Pa, pa, ¡papá!”
*Transcripciones literales de expresiones utilizadas por artistas flamencos para enseñar a sus alumnos.
LO INEFABLE es un archivo de interferencias entre diferentes lenguajes relativos a “lo flamenco”; un ejercicio escénico que propicia, por contagio, conexiones sensibles entre códigos aparentemente incompatibles.
Un texto teórico, una tabla de pies, un gesto, una sentencia judicial, críticas periodísticas, letras de canciones, la respiración, el atuendo… se intervienen entre sí evidenciando las tensiones que hay entre los significantes y los significados a la hora de describir una experiencia artística. Lo inefable trata de pronunciar con las palabras y con el cuerpo aquello que no se puede decir.
Mercedes Peón
Desaparecer
Hay un no-mundo donde la creación es colectiva, donde aquello que llamamos arte emerge de la gente, del encuentro, del ser en comunidad. En ese no-mundo se generan trances colectivos que son presencia absoluta y momento rotundo. Sin teatros, sin escenarios, sin público. Desaparecer es una propuesta escénica que explora la tensión entre esos dos paradigmas.
Fotos Mercedes Peón:
autoría Maider Jimenez
Antonio Molina El choro
Arza, Teoría de lo espontáneo
Esta performance fue estrenada en Sevilla como parte del ciclo Flamenco, melancolías y anhelos, comisariado por Rocío Molina, y desarrollado en el Centro de creación La Aceitera y la Sala B del Teatro Central.
